David Eguren joue le rôle de Zazu dans Le Roi Lion actuellement au théâtre Mogador à Paris. Admirateur de l’œuvre qu’il avait pu voir il y à 8 ans à Londres, il a donc été choisi pour jouer l’oiseau-majordome-confident-du-roi. Chaque soir, il est acclamé par les spectateurs pour « son humour et son jeu ». Il s’agit pourtant d’un personnage compliqué à jouer puisque l’acteur est « d’abord » marionnettiste ! Rencontre avec ce talentueux comédien.

Le Rapport du Matin a pu rencontrer David Eguren quelques minutes après les derniers applaudissements de la grande première de gala le jeudi 4 octobre.

Vous jouez le rôle d’un oiseau, n’est-ce pas un rôle « hors du commun » pour un acteur ?

David Eguren : Oui, en effet, c’est très particulier. Mais il ne faut pas se dire que l’on joue un oiseau à priori : le rôle est celui d’un majordome, d’un conseiller du roi. C’est avant tout ce personnage que je joue. Qu’il soit un oiseau, et qu’il soit représenté par une marionnette, cela vient en second plan. Evidemment, au final, cette marionnette devient le premier plan, puisque le vrai personnage, c’est elle : je ne suis que l’acteur qui lui donne la réplique.
Pour mon travail, j’ai avant tout pensé que j’étais un majordome, un conseiller. Avec Julie Taymor, nous avons d’abord travaillé sur le texte et sur les rapports finalement humains entre les personnages. Ensuite seulement, nous avons pensé qu’ils étaient des animaux.

L’apprentissage de la marionnette, c’est venu « naturellement » ?

David Eguren : Naturellement ? Non ! Pas du tout ! (rires) Quand on commence à apprendre le texte, et quand on vous donne cette marionnette dans les mains, il y a un moment de questionnement : « Comment vais-je interpréter mon personnage avec cette marionnette, cet objet… qui est sans vie ? Comment vais-je pouvoir faire passer les émotions, le rire et les moments dramatiques à travers cette marionnette ? » Le secret c’est de considérer que le personnage est la marionnette : un personnage en deux personnages finalement. Après cela, l’interprétation vient toute seule. Pour la manipulation, nous avons été superbement bien coachés par des marionnettistes. Ils nous ont fait travailler, ils nous ont donné des trucs, et cela s’est très bien passé ! J’ai d’ailleurs eu beaucoup de compliments car apparemment, j’ai appris très vite à la manipuler ! (rires) Mais c’est vrai qu’il y a un moment où l’on se dit : « mais comment vais-je jouer mon personnage avec ça ? bon ! ». Après, c’est du travail, c’est du travail tous les jours… et voilà !

Et en deux mois, vous étiez prêt ?

David Eguren : En deux mois, et même avant… car il le fallait ! C’est caractéristique du travail avec les américains : il faut tout de suite intégrer les choses – ce ne sont pas des tirants et tout s’est très bien passé ! – mais cela a été un travail où il a fallu être très disponible tout le temps ! Nous avions de très longues répétitions, 6 jours sur 7… mais elles ont fait leurs preuves, il n’y a pas de secret !

Une dernière question, vous êtes « assez » maquillé… la préparation est longue ?

David Eguren : Il y en a pour une petite heure de maquillage, de mise en place de perruque et de chapeau ! Et un petit moment aussi pour se démaquiller : il faut bien ½ heure pour enlever tout ça !

Merci beaucoup pour le temps que vous nous avez accordé. Nous vous laissons justement vous dé-zazu-ifier !

Julie Taymor est la metteur en scène du Roi Lion, c’est l’âme de cette production. Artiste aux multiples talents, elle a mis en scène, créé les costumes, co-créé les masques et les marionnettes et écrit les paroles d’une chanson pour Le Roi Lion ! Pour ce travail, elle est récompensée en 1998 par le Tony^® Awards – la récompense la plus prestigieuse pour un musical – de la Meilleure Mise en Scène d’un musical et des Meilleurs Costumes. Cette artiste hors du commun, qui a travaillé aussi pour le théâtre, pour l’opéra ou pour des films, a fait du Roi Lion une expérience unique… « Il y a tout simplement rien de comparable » déclarait le The New York Times.

Le Rapport du Matin a pu rencontré Julie Taymor, le soir de la grande première de gala le jeudi 4 octobre 2007, quelques minutes après la standing ovation générale !

Vous avez monté plus de 10 productions du Roi Lion à travers le monde. Sentez-vous des différences d’un pays à un autre ?

Julie Taymor : Oui, chaque pays doit pouvoir trouver sa propre personnalité. Et après avoir vu ce que j’ai vu ce soir, je suis très fière que cela soit si fidèle à l’original, mais aussi que cela soit si français. J’ai trouvé par exemple que les chansons d’Elton John fonctionnent très bien en français, et nous en sommes très heureux. Chaque acteur apporte sa propre personnalité, son talent, et culturellement, il apporte ce qui lui appartient, sa propre culture. Les sonorités africaines et la langue française fonctionnent très bien ensembles. Je ne suis pas surprise, mais j’en suis ravie !

Précisément, avez-vous beaucoup travaillé sur la langue, en association avec Stéphane Laporte ?

Julie Taymor : Stéphane Laporte a fait un très beau travail. Nous avons du en permanence faire des ajustements, nous assurer que cela fonctionnait bien et que la langue voulait bien dire la même chose tout en gardant une couleur locale. Il y a des choses qui ne pouvaient pas fonctionner, cela a été adapté, comme cela doit l’être. Ce n’est pas une production étrangère, ou une production américaine, c’est une production qui appartient au théâtre mondial. C’est inspiré du théâtre asiatique, africain, européen et américain. Dans ce sens, cette œuvre transcende les cultures, les différences et les frontières, cela se sent. Les acteurs, la musique font cela. Et les spectateurs sentent effectivement que cela leur appartient.

Et pour finir, combien de temps avez-vous passé sur cette production de Paris ?

Julie Taymor : Je suis venu la première et la dernière semaine des répétitions. Et j’ai laissé entre les deux un très talentueux jeune homme qui est mon associé pour continuer le travail en mon absence. Je pense qu’au début, les acteurs ont besoin de connaître l’inspiration de chaque personnage, et l’idée des mouvements. J’ai créé les masques donc je les connais. Et puis ensuite il y a beaucoup d’apprentissage par les répétitions, ils doivent apprendre leurs rôles,… Et enfin, après quelques avant-premières, je reviens et je peux les amener à un niveau supérieur parce que je suis le metteur en scène d’origine. C’est toujours bien d’avoir la vision originale…

Merci beaucoup Julie Taymor pour ces quelques mots. Félicitations pour cette production.

Le Roi Lion est un musical faisant appel à de nombreux arts de la scène. Côté danse, par exemple il mèle avec bonheur les mouvements inspirés de la danse moderne, afro-antillaise et du ballet classique. Ses chorégraphies suggèrent la beauté de l’Afrique, le mouvement frêle des antilopes, mais aussi la violence des gnous ou des hyènes.

Garth Fagan est le chorégraphe du Roi Lion. Avec cette œuvre, il remporte en 1998 le Tony^® Award – la plus haute récompense pour les musicals – du meilleur chorégraphe. Le Rapport du Matin a pu le rencontrer la veille de la grande première de gala du Roi Lion. Presque 10 ans après, il revient sur la création de cette production qui a accueilli plus de 40 millions de spectateurs dans le monde !

Garth Fagan, bonjour. Pouvez-vous nous dire comment vous avez travaillé sur ce musical ? Est-ce Julie Taymor qui vous a proposé ?

Garth Fagan : Oui exactement, elle était venue voir des représentations de mon ensemble de danse moderne « Garth Fagan Dance ». – Nous avons d’ailleurs joué plusieurs fois à la Maison de la Danse à Lyon. – Elle m’a invité à visiter son atelier et m’a montré ses créations si particulières : les marionnettes et les costumes qu’elle avait dessinés. Elle est très avant-gardiste dans le monde du théâtre, et moi aussi avec mon ensemble de danse, notre rencontre a donc été naturelle, et je la remercie pour ce que nous avons fait ensemble, même si cela a été difficile… (rires).

Avez-vous travaillé sur la production française, ici à Paris ?

Garth Fagan : Non, c’est Marey Griffith, mon superviseur de danse, qui a suivi cette production. Elle a travaillé sur de nombreuses autres productions du Roi Lion autour du monde, et c’est donc la meilleure personne pour ce travail. Je ne suis pas du tout inquiet du résultat et de ce que je vais voir : je sais que ce sera excellent.

Pour réaliser ces danses et ces chorégraphies, aviez-vous vu le dessin animé ?

Garth Fagan : Le choix du chorégraphe a été fait à l’international et je ne m’en souciais pas trop… Mais quand on m’a appris que j’étais un des trois finalistes, je me suis dit : « Oups, il faudrait peut-être que je vois le dessin animé ! ». Mes enfants étaient déjà grands, il n’y avait donc pas de « Roi Lion » dans les parages ! Je l’ai acheté, je l’ai regardé, et je suis tombé totalement en admiration… Parce que cela se passe en Afrique : c’est si beau et si émouvant, mais aussi parce que c’est l’histoire de l’Enfant Prodigue, et qu’en fait c’est une histoire humaine ! Rafiki est le guide spirituel de cet enfant, et nous aussi nous avons chacun un guide dans nos vies. Ainsi mon grand-père pouvait me demander des choses que j’aurais refusées à mes parents. Et aujourd’hui, je vois la même chose avec mes petits-enfants : je peux toujours leur parler même s’ils sont énervés vis-à-vis de leurs parents. Ce sont des expériences humaines et c’est cela qui m’a touché.

Comment avez-vous travaillé avec Julie Taymor ?

Garth Fagan : Nous avons travaillé séparément, Julie avec les acteurs de son côté et moi avec les danseurs de mon côté. Dès qu’elle avait un moment, elle venait voir ce que nous faisions. De temps en temps, j’allais avec les danseurs la voir et lui montrer ce que nous avions fait. Et de temps en temps, nous étions obligé de travailler ensemble, par exemple sur les grandes scènes comme sur le numéro d’ouverture. Ces moments où il y a tant de danseurs, d’acteurs et de marionnettes sur scène. Nous avons toujours eu une très bonne ambiance de travail, avec beaucoup de pression, mais c’était extraordinaire. Quand vous voulez quelque chose de bien, vous avez besoin de cela.

10 ans après la première à Broadway, que diriez-vous ?

Garth Fagan : Je suis très fier que quelque chose que j’ai créé et sur lequel j’ai travaillé en collaboration avec toutes les autres personnes de l’équipe créative, soit encore en vie à travers 8 ou 9 productions tout autour du monde ! Dans tant de langues et de pays, comme au Japon, à Hambourg, en Australie. Et je suis fier d’avoir travaillé sur une œuvre qui donne tant de joie, à tant de culture et de langues. Quelque soit la langue ou la culture, j’apprécie cette œuvre… Je connais toutes les transitions, toutes les musiques, mais la production toujours aussi émouvante, et elle m’arrache des larmes ! Donc j’attends avec beaucoup d’impatience la version française ! Je suis sûr que cela va être extraordinaire.

Le musical Le Roi Lion actuellement au théâtre Mogador à Paris est une copie conforme au spectacle présenté à Broadway depuis 10 ans.

Pas tout à fait, car il se distingue en effet de la version originale sur deux points :
Le premier changement concerne les interprètes et les techniciens qui sont, pour la grande majorité, locaux et donc français. Le second changement concerne la langue puisque, comme dans tous les autres pays du monde, le spectacle est présenté dans la langue locale. Pas tout à fait en réalité puisque seul l’anglais a été traduit, les dialectes et autres langues africaines utilisés sont conservés ! C’est Stéphane Laporte qui a réalisé cette difficile opération qu’est une adaptation !

Le 23 avril 2007, Le Rapport du Matin avait déjà interviewé Stéphane Laporte, l’adaptateur-traducteur de la version française du Roi Lion. Le Rapport du Matin a de nouveau rencontré Stéphane Laporte lors d’une conférence de presse, la veille de la première, le 3 octobre 2007. Entre ces deux dates, l’adaptation a rencontré les remarques des équipes créatrices américaines, les artistes-comédiens français qui l’interprète ainsi que le public lors des avant-premières…

Après le premier travail de traduction, comment se sont passés les modifications de texte ?

Stéphane Laporte : Cela s’est fait très naturellement. Il y a certains mots qui étaient impossibles parce que la mise en scène, à certains moments, nécessite un mot particulier. Je n’avais vu le spectacle que deux fois à Londres en janvier, et on n’arrive pas à assimiler une mise en scène d’un spectacle de 2h30 en 2 représentations seulement ! Il a donc fallu modifier quelques textes et quelques paroles de chansons. Mais tout ça s’est fait tout naturellement.

Quel a été votre travail avec la musique ?

Stéphane Laporte : Je joue du piano donc je travaille à partir des partitions. Je fais en sorte que cela cadre en français comme cela peut cadrer en anglais. En faisant particulièrement attention aux fameux accents toniques qui sont complètement différents en anglais et en français. Si un accent tonique est mal placé en français, le spectateur va mal entendre ce qui est dit – du coup on va perdre la phrase et ne va pas entendre la phrase qui suit… Et cela fait boule de neige : un accent tonique mal placé peut fiche en l’air une chanson ! Donc il y a vraiment un travail à faire, je pense d’ailleurs qu’il est crucial d’être un petit peu musicien pour arriver à écrire des paroles.

Et donc vous allez jusqu’à écouter les sons ?

Stéphane Laporte : J’essaie au maximum. Prenons l’exemple de Rafiki qui est jouée par une artiste sud-africaine, comme dans toutes les productions du monde d’ailleurs. Elle ne parle pas français : j’avais écrit une première ouverture de Cercle of Life en français. Elle l’a apprise parce qu’elle est extrêmement consciencieuse et qu’elle est géniale – je ne sais pas si vous avez vu le spectacle, elle est inouïe ! – et en fait, elle avait un mal fou. J’ai donc réécrit le passage avec le moins possible de « an » et de « on » et, du coup, c’est plus facile pour elle. Je crois qu’il faut aussi tenir compte des artistes.

Combien de temps cela prend pour un travail comme cela ?

Stéphane Laporte : Cela m’a pris à peu près deux mois en début d’année et les répétitions après, donc environ 4 mois.

Quelle liberté avez-vous par rapport au texte original ?

Stéphane Laporte : Il y a beaucoup de références françaises qui, je m’en félicite, ont été approuvées par Disney. On peut trouver par exemple « Je suis malade » de Lara Fabian. On trouve aussi un cancan d’Offenbach qui remplace un charleston qui était dans le spectacle d’origine. Donc des références très franco-françaises, et ils les ont validées sans aucun souci.

Qu’est ce qui a été difficile ?

Stéphane Laporte : Il y a beaucoup de jeux de mots, et c’est un cauchemar pour l’adaptateur car un jeu de mot, cela ne se traduit pas… Il a donc fallu en trouver d’autres. Et cela m’a pris beaucoup de temps !

Il y a un personnage pour lequel l’adaptation a été plus difficile ?

Stéphane Laporte : Oui, les hyènes. Et je crois que dans tous les pays c’est pareil. Elle ont un genre un peu ghetto, donc il faut faire attention à ne pas tomber dans la caricature. Heureusement, l’interprète de Banzaï, qui est la hyène principale, vient du sud-ouest. Il a donc gardé l’accent de là-bas, et cela ne fait pas ghetto du tout…

Avez-vous eu des exigences à respecter par rapport aux paroles initiales ?

Stéphane Laporte : Oh oui ! Prenons l’exemple de la chansons d’ouverture « Cercle of Life » – dans le film « L’histoire de la vie » – Julie Taymor, la metteur en scène, a vraiment insisté pour qu’on trouve l’image du cercle car c’est un élément visuel très fort du spectacle. J’avais suggéré « La chaîne de la vie », « La ronde de la vie »… Rien à faire, il a fallu que cela soit « Le Cercle de la vie ». Il y a d’ailleurs certaines paroles qu’il a fallu intégrer à la version française, même si quelques fois, c’est un choix que je n’aurais pas fait !

Et justement, par rapport au dessin animé que tout le monde connaît, y-a-t’il des choses qui vont se ressembler ?

Stéphane Laporte : Si cela se ressemble, ce sera accidentel car je n’ai vu le dessin animé qu’après avoir fini l’adaptation – exprès –. Justement pour éviter qu’on puisse dire « il a pompé »… Et puis aussi parce que l’adaptation répond à des exigences différentes : Dans le dessin animé, il y a des labiales qui correspondent à ce qui est dit en anglais et qui doivent être approchées pour la version française. Dans le spectacle, ce qui compte par-dessus tout, c’est le message, et la correspondance avec le visuel. Je ne crois pas que cela aurait été pertinent de reprendre les paroles du dessin animé.

Quand avez-vous bouclé les dernières modifications ?

Stéphane Laporte : Hier ! Littéralement hier ! La veille de la première.

Et là, c’est sûr, c’est bouclé ?

Stéphane Laporte : Non ! (rires) Non, cela fait partie du service après-vente. Je vais intervenir régulièrement pour changer les petites choses qui fonctionnent moins bien que ce que j’espérais…

Et quel est le plus beau compliment que l’on peut vous faire sur le texte ?

Stéphane Laporte : Qu’on oublie que c’est une traduction. Ce qui me fait le plus plaisir, c’est de me dire qu’on a l’impression que l’œuvre a été écrite en français.